Etat-critique.com

California dreamin'vous fera voyager et profiter de la douce torpeur de la saison. Un disque qu’il faut mettre dans sa valise pour vous apaiser de votre vie quotidienne. Et pour cela, rien de tel que du easy listening !

La pochette du disque est une invitation aux vacances. Une belle blonde soigne son spleen au bord de la mer, assise sur un rocher. Les premières notes de la guitare rebondissent sur le hit des Mamas & Papas qui donne le nom à l’album.

Wes Montgomery est un guitariste reconnu et on lui a beaucoup reproché de s’être essayé au smooth jazz, partie noble de l’easy listening. Pourtant il n’y a pas de mal à se faire du bien avec ce disque californien par sa légèreté et son éclat.

Des petites flutes s’envolent avant que la guitare virtuose s’approprie le célèbre morceau des Mamas & papas. Un orchestre poursuit l’instrument de Montgomery. Du swingin’ London, on voyage au swingin’ San Francisco.

Le disque nous fait voyager dans le temps. On pense à The Party ou la série Les rues de San Francisco. Le jazz est élégant et accompagne nos pensées les plus frivoles. La guitare est délicieuse et chaude.

Elle s’amuse avec un orchestre qui rêverait d’être dirigé par Burt Bacharach. Des morceaux sont gentiment bossa donc superbement jazzy (Sun down). La reprise de Sunny est un grand moment des années 60. Christophe Willem peut hurler tant qu’il veut cette chanson. Ici, c’est juste de la magie.

En onze morceaux, Wes Montgomery tricote un album coquet, ouvert et agréable. Il donne l’envie de partir, de s’évader et de profiter… retrouver la jeune femme de la pochette par exemple

Verve 1966

 Les Ogres de Barback fêtent leur 20 ans ! Un double album fidèle à leur âme : fraternel et humaniste, "à la joie, à l'anarchie" !

Voilà 20 ans que les Ogres de Barback  sillonnent la France, l'ailleurs et le paysage musical français. Cela en fait des chansons, des concerts, des combats, d'artistes rencontrés. Parmi eux la fanfare béninoise Eyo'nlé qui partage leur chemin depuis quelques années. Le résultat est coloré, vif, avec d'étonnants mélanges. Pour l'occasion la fanfare se donne des airs de Bregovic en ouverture de l'album ou yiddish dans Grand-Mère. Festive, la fanfare montre que la musique n'appartient à personne et que ces 20 ans se fêtent sous le soleil du multiculturalisme qui caractérise le groupe.

Le groupe reprend biensûr L'accordéon pour les cons dans un rythme plus chaloupé, le délicieux Pour me rendre à mon bureau,  Grand-Mère, Rue de Paname, les plus grands succès du groupe en alternance avec des airs de la fanfare africaine. De quoi donner de la joie mais aussi un peu de nostalgie... Faites le calcul pour ceux qui les suivent depuis le départ. Vous avez la quarantaine? Eh bien vous veniez de passer le bac, de vous engager dans les études ou de prendre votre premier job. Ce premier CD à des allures de feu de camp en bord de plage avec la guitare à la main. Finalement un ambigu coup de jeune qui donne envie de replonger dans les albums du groupe.

Le deuxième CD est une jolie surprise. Avec une émouvante ouverture et fermeture en hommage à Monsieur Leprest, SDF, Le Daron, l'opus réunit la chanson française et ceux qui chantent ou militent avec le cœur,  toute génération confondue. On ne sera pas surpris de retrouver en invités : Mellismell, Mouard et Florent Vintrigner de la Rue Kétanou, Christian Ollivier des Têtes Raides, Frédéric Fromet, Les Hurlements d'Léo, Loïc Lantoine, une partie de Debout sur le Zinc, Winston Mc Anuff et Fixi, Anne Sylvestre, Tryo, La Meute rieuse, Daniel Mermet, un titre de Mano Solo, de Renaud, de Jean Ferrat...Une place est faite également aux Ogrillons qui nous rappellent que les Ogres de Barback, c'est aussi quelques jolis albums de Pitt Ocha qui ont eu un joli succès.

L'ensemble est cohérent, festif, anarchique, sincère et généreux. Une jolie bouffée d'oxygène.

Leur collaboration leur avait valu un franc succès avec le spectacle musical « LE BOURGEOIS GENTILHOMME », Denis Podalydès à la mise en scène et Christophe Coin à la conception musicale se retrouvent sur un nouveau projet : « LA MORT DE TINTAGILES » de Maeterlinck, présenté au Théâtre des Bouffes du Nord jusqu’au 28 mai. Ils remportent ainsi un pari difficile : montrer une version troublante et attachante de cette pièce peu représentée.

Deux musiciens, Christophe Coin et Garth Knox, et trois comédiens-marionnettistes complices (Leslie Menu, Clara Noël et Adrien Gamba Gontard) interprètent cette forme originale. Christophe Coin a sélectionné des morceaux de musiques pour instruments à cordes du Moyen-Age à nos jours pour accompagner et animer cette fable symboliste : Ygraine et Bellangère, orphelines, vivent sous l’autorité de leur grand-mère, une Reine que l’on dit « énorme » et qu’on ne voit jamais. Elle règne du haut de la tour d’un château sombre et silencieux, sur un royaume d’où elle a fait disparaître tout prétendant à sa succession. Un matin, les deux sœurs voient réapparaître leur jeune frère Tintagiles, que la Reine a fait rappeler. Pourquoi ? Ygraine le sait sans oser l’avouer. Dans les premiers échanges entre le frère et la sœur réunis, on sent monter l’appréhension d’Ygraine et l’inquiétude gagner Tintagiles. Un échange tout en sous-entendus, plein de tremblements intérieurs. La nuit tombée, les sœurs s’endorment aux côtés du garçonnet qui sanglote, tandis que leur ami, le gardien Aglovale, surveille la porte d’entrée, car la Reine a semble-t-il déjà donné l’ordre d’enlever l’enfant. Dans ce Royaume, rien n’est sûr car « (…) on ne sait pas au juste ce que l’âme a cru voir. » Et d’ « âme », il en est souvent question ici, comme d’ « atmosphère », comme si Maeterlinck évoquait l’inconscient collectif et l’intuition personnelle, comme des outils puissants à affiner et à écouter, comme s’il fallait mieux tendre l’oreille pour comprendre ce que l’on sait déjà. Comme si l’épreuve (la menace puis le rapt de l’enfant) permettait une certaine élévation des consciences des personnages. C’est cette frontière qu’interroge intelligemment ce spectacle : le connu / l’inconnu, le visible / l’invisible, le conscient / l’inconscient, le su / l’insu, etc.

La présence blanche de la marionnette (Tintagiles), le clair-obscur, la résonance des cordes « sympathiques », et la belle présence des comédiens (bouleversante Leslie Menu en Ygraine, dans le dépassement de soi et la révolte) créent un ensemble harmonieux et propice à l’écoute de l’œuvre. En outre, la mise en scène ménage pour le spectateur quelques ruptures et images saisissantes.

La pièce d’une durée assez courte est précédée d’un prologue : des fragments de « POUR UN TOMBEAU D’ANATOLE » de Stéphane Mallarmé, lus par Denis Podalydès, accompagnés par Christophe Coin et Garth Knox. Un texte comme une tentative de Mallarmé d’exprimer le deuil de son garçonnet de 8 ans. Des fragments retrouvés après la mort de leur auteur, comme (comme le dit Denis Podalydès) « de minuscules fenêtres ouvertes sur le deuil, vécu, scruté, conjuré, indicible ».

Jusqu’au 28 mai 2015

Au Théâtre de Bouffes du Nord

Du mardi au samedi à 21h, en matinée les samedis à 15h30.

Réservations au 01 46 07 34 50 ou www.bouffesdunord.com

On ne pourrait pas voir trop souvent de pièces de l’éternelle Pina; ce serait trop d'émotion et de beauté d'un coup, ça déborderait sur la Vie.

Il faut voir dans la rareté, une cérémonie du Wuppertal, puis retourner à sa vie les yeux pleins, et laisser venir la danse qui relie les deux dans des histoires et des rondes à l'infini...
On souhaite que ça ne s'arrête jamais; on célèbre chaque année la conservation exemplaire d'un répertoire sans prix, né de la communauté profonde entre Pina Bausch et ses interprètes ...

Nelken, création phare de 1982, qui reparaît aujourd'hui au Châtelet comme si elle venait de fleurir, traite de la Mémoire intime.
Très sensorielle, cette narration en mouvements associe librement pour dévoiler l'enfant dans l'adulte.

On y retrouve le cocasse et les violences parfois des jeux d'enfants; l'absurde toujours des paroles des adultes adressées à l'enfant.
Cette danse-théâtre est "un exercice d'enfance": il ne s'agirait pas de vieillir en oubliant de jouer...

Certains des interprètes historiques sont remplacés déjà, mais pas de tristesse: la marche inéluctable du temps, on la suit avec joie et nonchalance; et aussi avec cérémonie, en grande pompe et robes de bal...
Pourquoi on a dansé au commencement, pourquoi ne peut-on plus danser de la même façon? Comment danse-t-on avec son corps de maintenant, tout en pensant et en parlant de ses souvenirs?...

Sur scène, se succèdent de puissants rites de passage, des épreuves, des "grands sauts". Après ces expériences, il apparaît que les interprètes ont retrouvé quelque chose qui a fait venir la joie: un langage simple et sensible, qui a rétabli le pont entre l'avant et l'après.
Visuellement, les couleurs plantant le théâtre sont à couper le souffle.

La salle entière est entraînée dans la ronde, symbole fétiche de la chorégraphe.
"On ouvre le bras droit, le bras gauche; on ramène le bras droit vers sa poitrine, puis le bras gauche"... Sur cette invite, spectateurs et danseurs enlacent un même imaginaire; pour la plus longue des dernières danses...

Du 12 au 17 Mai 2015

au Théâtre de la Ville, Paris

Nelken, Tanztheater Wuppertal, Pina Bausch,1982

Ho les copains qu'est ce qu'il se passe? Il est ou le rock? On a invité un curé dans les locaux? Il y a pas si longtemps, on disait que le rap c'était trop cool dans ces pages, et maintenant, sans prévenir, c'est régime sec: de la musique sacrée!

Tous les clichés sont là: de l'électro catho! Des voix élégiaques. Des instruments à cordes. Des intrusions électroniques! On ne va pas nous refaire le coup d'Era tout de même? Heureusement ce n'est vraiment pas le cas: Stefan Wesolowski est Polonais. Il fait de la musique sacrée. Il fait aussi un sacré bon disque.

Bien entendu on devine l'amusement autour du classique et de la modernité. Compositeur, chanteur, musicien, producteur, le jeune homme a l'air de savoir tout faire. Il s'agit ici de son premier disque qui date de 2008, sous un label à la recherche d'exotisme musical, Mind Travels.

Il invente une musique qui enivre, qui sonde avec des éléments tout à fait identifiables et des fonds sonores plus troublants. Sa musique est bien contemporaine malgré les apparences. On est bien dans une église mais pas que. C'est déroutant et reposant. On peut couper les ponts avec ce disque d'une trentaine de minutes. C'est beau. Rien à dire. Tout à entendre!

Mind travels - 2015

Une troupe de comédiens-chanteurs pleine de talent à découvrir au Vingtième Théâtre jusqu'au 14 juin.
Qui n'a pas frémi, enfant, au récit des aventures d'Alice au pays des Merveilles, de Lewis Carroll?
Enfant, je n'aimais pas ce conte, qui me dérangeait (trop d'absurdités? Absence de cadre rassurant, de repère?) et dont les illustrations m'effrayaient.

Étudiante, j'ai découvert que ce récit était encore une source d'inspiration pour des auteurs, en particulier pour deux motifs:

1. l'expérience psychédélique: on avale une potion qui nous plonge dans un état modifié de conscience, les objets paraissant immenses ou minuscules, cette expérience pouvant entraîner un changement de regard profond et durable;
2. l'ambiguïté du lien entre le narrateur (Lewis Carroll dont le goût pour les très jeunes filles n'était pas innocent) et l'héroïne Alice. L'ingestion de la potion la soumettant dans un état de suggestion, la leçon de vie du narrateur est "forcée".

Précisément, la cruauté, il en est très peu question dans la production actuellement à l'affiche au Vingtième Théâtre. C'est une version aseptisée, un peu trop "bon enfant" qu'on nous propose. Seules la scène de fête (chez le Chapelier fou) et la scène finale (chez la Reine de Cœur) nous mettent mal à l'aise, le rythme effréné confinant à la folie.

L'auteur-compositeur Julien Goetz le confirme: "Nous souhaitons donner à ce spectacle une couleur à mi-chemin entre le Disney et le Tim Burton, en ajoutant une quantité de musiques orchestrées façon Broadway". C'est ce qu'on peut regretter: une esthétique "à mi-chemin", l'absence d'un parti pris. D'autant que la musique fait plutôt pencher l'ensemble du côté Disney que vers Tim Burton...

Pour autant, il faut saluer la belle performance et la générosité des acteurs-chanteurs-danseurs que sont: Morgane L’Hostis Parisot dans Alice, Hervé Lewandowski dans le narrateur et le Chapelier fou, Véronique Hatat dans la chenille,  Julie Lemas dans la Reine de Cœur, Vincent Gilliéron dans le Lapin blanc et Antonio Macipe dans le Chat du Cheshire.

Les costumes excentriques ajoutent également un bon point à ce spectacle. De belles voix, du talent, et le plaisir de faire découvrir le conte de Lewis Carroll aux plus jeunes, "en live".

Jusqu'au 14 juin 2015

Vingtième Théâtre - 7, rue des Plâtrières - 75020 Paris - Réservations: 01 48 65 97 90
Mise en scène: Marina Pangos
Musique: Julien Goetz
Textes: Nicolas Laustriat, Cécile Clavier
Avec: Vincent Gilliéron, Véronique Hatat, Julie Lemas, Hervé Lewandowski, Antonio Macipe, Morgane L’Hostis Parisot

Un avortement clandestin en Roumanie durant la dictature de Ceaucescu : voilà de quoi traite la Palme d’or de Cannes. Avec un tel sujet, le réalisateur Cristian Mungiu enfonce le spectateur dans une réalité très sombre. Effrayant, son film fait l’effet d’une bonne paire de claques. Si le cœur vous en dit…

Nanni Moretti a remporté la Palme d’or avec La chambre du fils, film sensible sur le deuil d’une famille après le décès du fils de la maison. Plus tard, Gus Van Sant obtint le même prix avec Elephant, chronique éthérée d’un massacre d’adolescents par deux jeunes tueurs. Enfin l’année dernière, les frères Dardenne sont récompensés pour la seconde fois de la prestigieuse palme pour leur film, L’enfant où un marginal vend son bébé pour quelques billets.

Les histoires où la jeunesse est un enjeu, semblent toucher les jurys de Cannes et cette année cela se confirme avec 4 mois, 3 semaines et 2 jours. Le Roumain Cristian Mungiu va un peu plus loin puisque le sujet de son film s’articule autour d’un fœtus.

Etudiante, Gabita est enceinte. Elle partage sa chambre universitaire avec Ottila, une blonde énergique. Cette dernière s’occupe de son ami, inquiète à l’idée d’avorter. A l’époque des Ceaucescu, l’avortement est illégal et condamnable de 10 ans de prison. Mais Gabita ne peut pas garder l’enfant. Ca serait un coup à être nommée à la campagne à un poste sans valeur. Sonnée, Gabita laisse Ottila tout organiser. Elles sont toutes les deux maladroites et rapidement elles sont piégées par monsieur Bébé, faiseur d’anges malhonnête…

Cet été le film de Mungiu a créé la polémique avec des associations contre l’avortement. Pas la peine de revenir là-dessus : le film ne prend jamais parti. Le regard de Mungiu est clinique et froid. Mungiu a peut être une ambition politique. Cette triste histoire dépeint la Roumanie à la fin des années 80, figée, paranoïaque et désespérée.

Ce que montre l’avortement de Gabita, c’est l’inhumanité érigée en système politique et social. Ce que l’on voit, c’est la résignation et la violence que s’infligent les femmes pour exister. Au lieu de s’acharner sur Gabita, le réalisateur a raison d’observer la courageuse Ottiva.

Prudente mais obstinée, c’est elle qui va affronter cette société qui ne veut rien voir et qui abandonne des jeunes femmes à des types sordides. Elle rappelle les héroïnes des frères Dardenne, seules contre tous. La mise en scène colle à ses baskets et observe son mutisme.

Avec de longs plans séquences, le cinéaste parvient à nous faire sentir l’angoisse de ces deux femmes, leur isolement et leur fatalisme. Le film révèle un monde sans espoir, où même aimer provoque des craintes, où les mariages finissent en bagarre, où tout rapport amène à la suspicion.

Le film de Mungiu effraie par cette façon de présenter l’anecdotique et l’intime avec la même distance. La vision du fœtus rejeté n’est pas le scandale de ce film. C’est la sécheresse dans laquelle se déroule ce drame qui fait un choc. Cette peur sourde de l’autre, qui traverse tout le film, désespère.

Tendu, le film exige beaucoup du spectateur. Il peut émouvoir comme il peut agacer. Son contexte, son sujet et son récit ne permettent aucune respiration. Cannes a remis une Palme d’or pour la rigueur et la clairvoyance de son auteur. Cannes a la bonne idée de signaler une œuvre qui fait mal là où elle appuie.

On confirme: le rap va bien. Même Snoop Dogg semble aller mieux. Aidé par l'indispensable Pharell Williams, il signe son meilleur album depuis... Doggystyle en 1993, année de la fin de la présidence Bush justement!

Mais Bush restera comme le titre du renouveau de Snoop Dogg, grand dadais du rap plein de clichés. Après un magnifique premier album, il n'a fait que décevoir. Le bonhomme s'est un peu paumé dans le show business. Un jour il est comédien. Un autre, il produit du porno. Il a fait tous les métiers dans l'entertainment américain. Dans ses disques, il s'éparpillait dans tous les genres. On le croyait réincarner en fou de reggae. On avait un peu oublié qu'il était d'abord rappeur!

D'ailleurs son style n'a pas trop changé de ce coté là. Nonchalant au possible, il chante. Il ne rappe pas des masses sur son nouvel album. Il laisse son ami Pharrell Williams tout géré. Ensemble ils ont encore des amis pour mettre un peu de valeur ajoutée au flow. Williams profite de Snoop Dogg pour réaliser un disque pour les beaux jours, bien funky, un peu commercial mais toujours urbain.

Le Gansta rap est changé en Summer rap, avec des voix sautillantes, des guitares soul et des rythmes bien chauds. C'est programmé pour cartonner dans les soirées chaudes de cet été et avant cela, les Spring Break les plus délurés. Les paroles sont salaces mais l'ensemble est réjouissant. Franchement, ca ne se prend pas au sérieux. Depuis le début des années 90, Snoop Dogg trouve enfin une seconde jeunesse. Cabot un jour, cabot toujours.

Columbia - 2015