Etat-critique.com

La reprise 2009 du spectacle qui en 1983 donna le grand succès à la chorégraphe belge remet à l’épreuve de la durée le mouvement sériel dans un crescendo de tension et enchante à nouveau le public.
Rosas danst Rosas se compose de cinq parties. Dans la première, silencieuse, les corps des quatre danseuses respirent au ras du sol. La chorégraphie commence à confronter la sérialité des mouvements aux différents schémas quantitatifs de globalité ou de séparation des quatre présences. Les pauses qui alternent les répétitions des mouvements violentent les spectateurs, l’obligent à vivre la durée, à y trouver un rythme.

Les parties suivantes, grâce à la présence de la musique, sont plus accessibles et arrivent à impliquer le public dans un crescendo de tension, dû à une augmentation de la vitesse et à une complexification des structures sérielles.

Les parties suivantes, grâce à la présence de la musique, sont plus accessibles et arrivent à impliquer le public dans un crescendo de tension, dû à une augmentation de la vitesse et à une complexification des structures sérielles.

La dynamique mise en place par Anne Teresa de Keersmaeker oppose sans arrêt la ressemblance et la différence, l’unisson et l’individualité, l’interactivité et l’isolement, l’hypnose de la répétition incessante et la perception des inégalités. Une empathie grandissante unit le public et les danseuses qui ne cachent pas leur fatigue et qui rentrent de plus en plus dans un jeu de séduction avec les spectateurs.

Si les débuts sont difficiles, donc, la mise en scène s’ouvre de plus en plus à la jouissance du rythme et de l’obsession de la sérialité et de ses variations.

La folie de la durée infinie.

http://www.theatredelaville-paris.com/hs_textes.php?video=415&page=23

Gloria Morano

© Etat-critique.com - 27/10/2009

Christophe Alévêque est Super Rebelle… il est aussi super drôle !

Christophe Alévêque entre en scène affublé d’un déguisement de super-héros démodé. Il reste muet quelques instants, l’air accablé et dépité. Et de fait, il n’a pas le moral.

« Super Rebelle n’a plus la pêche : hier j’ai croisé un camion de flics, je ne les ai même pas insultés ».

Mais Super Rebelle retrouve bien vite son énergie, galvanisé par ce monde moderne si facile à railler tant il est absurde. Avec son débit de mitraillette et sa voix légèrement haut perchée, Christophe Alévêque commence par fustiger l’argent, ce « doudou d’adulte » et la société de consommation qui consiste à « acheter des choses dont on n’a pas besoin avec de l’argent qu’on n’a pas ».

Il enchaîne sur les média et leur fascination béate devant l’incontournable hyper-président (pas le camembert, le Nicolas) avant de faire un sketch à mourir de rire sur les ados. Je sais, le thème est vu et revu, mais il faut reconnaître que Christophe Alévêque s’en sort vraiment très très bien avec ce sujet.

« Françoise Dolto, sur le fond, elle a raison… le problème c’est qu’on vit en surface ! »

Christophe Alévêque retrouve tellement la forme qu’il se met même à chanter! Il ponctuera son spectacle de trois ou quatre chansons pas vraiment inoubliables mais pas non plus insupportables, un peu à la manière d’un Bénabar. Mais qu’ont donc tous ces comiques, Gad Elmaleh en tête, à se prendre pour des chanteurs ?

On apprécie particulièrement la revue de presse désopilante qui achève de mettre le public dans la poche de Christophe Alévêque. Il parvient à instaurer une complicité étonnante avec les spectateurs qui, malgré la taille non négligeable de la salle, se sentent très proches de l’humoriste. (Les puristes noteront que Christophe Alévêque recycle quelques chroniques, lues notamment dans Siné Hebdo où il officie.)

Christophe Alévêque termine son spectacle en apothéose, nous faisant revivre à la façon d’un exutoire le concert d’investiture de Sarkozy à la Concorde et permettant au public de se lâcher complètement et de quitter la salle heureux. En sortant, j’ai même entendu des spectateurs se féliciter de ce que le spectacle de Florence Foresti était complet.

Du 17 octobre au 14 novembre 2009, Théâtre du Rond Poin

Bertrand Belin rencontre Tatiana Mladenovich dans le cadre du Festival des attitudes indépendantes. La finesse en action.
Bertrand Belin est un personnage à lui tout seul. Peu connu du grand public, il l’est surtout des passionnés de la guitare et des artistes français avec lesquels il collabore très souvent dans l’ombre des studios comme arrangeur compositeur ou guitariste. Voix d’outre-tombe susurrée près du micro, toucher de guitare à faire rougir les cordes, Bertrand a un charisme scénique qui fait pleurer les notes.

Dans le cadre du Festival des attitudes indépendantes, le voilà au Théâtre des Trois Baudets, seul en scène avec Tatiana Mladenovitch à la batterie, une autre icone du paysage musical français.

Tatiana, chevelure noire toujours ébouriffée, vêtue de bleu est à jardin. Bertrand, veste beige, chemise rouge et Jean noir occupe le reste du petit plateau, borné par les amplis et ses deux guitares côté cour. Et c’est parti pour plus d’une heure d’échanges musicaux.

Duo de charme, la paire fonctionne à merveille. Bertrand reprend avec allégresse « colosse » et des titres plus récents de la Perdue, son dernier album. En parfaite harmonie avec Tatiana, réceptive aux moindres variations de la guitare, le chant de Bertrand colle aux notes. Peu de mots. Juste une harmonie vocale pour suggérer plus que pour imposer.

Belin est un dandy. Le dandy se dandine sur scène avec sa femme-guitare. Il glisse sur la scène autour de la batterie. Ca patine et ca provoque, ça regarde et ça séduit, jeu de jambes à l’appui. Un savant mélange de désir et d’humilité autour de la reine Musique. Une recherche permanente d’équilibre de notes et de sons dans des ballades folk-rock qui prennent des chemins forcément inhabituels.

Alors quand Tatiana se lance vocalement dans des contre-chants en nappe vocale ou en chœur, c’est à tomber par terre. Somptueux de finesse et d’élégance. La grande classe.

Belin et Mladenovitch viennent une fois plus de prouver que c’est dans l’à-côté que se créent les plus belles surprises et les plus beaux bonheurs. Même si cela fait longtemps que ces deux artistes se connaissent, la sincérité reste d'une grande beauté. Si leur chemin passe près du vôtre, ne les loupez pas. Un duo à connaître absolument.

http://www.myspace.com/bertrandbelin

Sébastien Mounié

CAVE CANEM : La fin du monde n’est toujours pas là et tant mieux ! On va pouvoir continuer à l’imaginer en écoutant cette histoire hallucinante de chiens aux diamants, dont les multiples facettes brillent aujourd’hui encore des mille feux du génie de Bowie.

1974 : Bowie persiste à programmer la fin du monde (il l’annonçait déjà pour « dans 5 ans » en ouverture de  Ziggy Stardust… en 1972)  et en repousse l’échéance à 1984.

Trente ans plus tard, bien qu’ayant frôlé à plusieurs reprises la catastrophe, le monde est toujours en (sur)vie…et Bowie – qui a abandonné son plumage de prédicteur de mauvaise augure- aussi.

Riche, inventif, personnel et transitoire, Diamond Dogs – avec ses qualités, ses défauts et ses trente ans d’âge - fascine et allume encore comme un vieux whisky, en commençant par cette pochette (œuvre du belge Guy Pellaert), effrayante, avec un Halloween-Jack-Bowie mi-homme mi-chien (finalement asexué pour cause d’attributs trop proéminents au goût d’une censure castratrice ) dans un univers apocalyptique de gratte-ciels en ruines.
Halloween Jack, rare survivant de l’ère post-atomique, celle des Diamond dogs, mutants qui font main basse sur la ville dévastée, sol jonché de cadavres, de rats pourris, d’insectes monstrueux… « This ain’t rock’n’roll – This is genocide ». Ceci pour vous donner une petite idée du contexte de l’histoire, inspirée à la fois de William Burroughs (The wild boys), Harlan Ellison (A boy and his dog) et naturellement du 1984 de George Orwell.

Ayant viré au préalable et sans ménagement l’ensemble de son groupe (les fameux Spiders Ronson, Bolder et Woodmansey), Bowie prend ici en main la composition, la production, les arrangements, les guitares et même le saxophone (son instrument d’origine). Musicalement, contrairement à ce qu’on a pu en dire, on trouve beaucoup d’idées remarquablement modernes, d’expériences dans les sons et les enchaînements ; Bowie alterne les passages déstructurés et les tubes imparables. Exemples : la fin de Sweet things (reprise), complètement destroy sur son tempo de locomotive (un avant goût de Station to Station ?) qui aboutit au riff mythique de Rebel Rebel (joué par Bowie lui-même, les doigts en sang) ou le symphonique Big Brother qui donne naissance à la très hachée ronde de la famille squelettique qui clôt le débat. Rock’n’roll with me, c’est la facette crooneuse . 1984, c’est la facette soul . We are the dead, sorte de slow sensuel et stressant brille lui aussi, sur son lit d’orgue électrique, feutré et irréel. Ambiance pesante et fascinante, accentuée encore par un son volontairement métallique et froid, mais aussi par la nouvelle utilisation que fait David Bowie de sa voix dont il commence avec bonheur à utiliser les tessitures graves.

Bref, tout pour déstabiliser les rock critics de l’époque, qui réservèrent injustement un accueil mitigé à cet album, pourtant tellement emblématique de ce qu’est David Bowie : un être en permanente recherche de changement, d’expérience inédite et qui va au bout de ses voyages. Même les plus risqués.

Un spectacle avec des textes de Beckett, ce Nobel de littérature dépressif et plombant : oh la la, on va pas rigoler ce soir...

Eh bien si !

Peter Brook met en scène cinq courtes pièces de Samuel Beckett, autant de saynètes qui fonctionnent comme des nouvelles théâtrales.

La première pièce, Rough for theater I (Fragment de théâtre I) nous présente un estropié qui se met en tête de guider un aveugle. Rencontre inattendue entre deux souffrances qui rêvent de trouver dans l'Autre un réconfort mais qui échouent pitoyablement à s'abandonner à la confiance et à l'amitié.

Peter Brook met formidablement en scène les textes de Samuel Beckett. Le très beau théâtre des Bouffes du Nord, au dépouillement si poétique, est le lieu idéal pour jouer les textes minimalistes de l'auteur irlandais. (Les textes sont à ce point minimalistes qu'ils n'existent parfois même pas.)

Quant au choix de jouer les textes en anglais (sur-titré en français), ce n'est pas une preuve de snobisme de la part d'un metteur en scène lui-même anglophone. Le jeu en anglais cela permet au spectateur de jouir de la poésie et de la musicalité de la langue de Beckett. C'est particulièrement vrai pour Rockaby (Berceuse), récit concentrique qui tourne en rond et se mord la queue à l'infini, répétant sans cesse l'histoire d'une âme seule qui rencontre son alter ego. L'on n'y comprend vite plus rien (l'incompréhension formelle du texte étant renforcée par la barrière de la langue) mais on se laisse agréablement bercer par la douceur musicale des mots.

Brook tempère la noirceur apparente de Beckett pour mieux révéler l'humour de ses textes. Ainsi, Act without word II (Acte sans paroles II) nous présente deux façons de se réveiller le matin: l'une ronchonne, l'autre énergique. Deux manières de voir une journée qui figurent deux façons de prendre la vie. Or, même le bougon, qui pourrait nous désespérer, nous fait drôlement rire.
Et dans Come and go (Va et vient), ne sont-elles pas franchement comiques ces trois vieillardes assises sur leurs banc, alors qu'elles se délectent des faiblesses de leur amie dont elles dévoilent sans vergogne les secrets?

Un metteur en scène virtuose, un auteur efficace et trois comédiens savoureux (Khalifa Nadour, Marcello Magni et Hayley Camichael): que demander de plus ?!

Jusqu'au 20 juin 2009 Théâtre des Bouffes du Nord www.bouffesdunord.com

Mathieu Boogaerts vient de sortir son nouvel album, I Love you. 10 questions en auto-portrait pour approcher l'artiste.

Bon, alors voilà : Etat-critique.com a une bonne et une mauvaise nouvelle à vous annoncer… et dix questions à vous poser.

On y va ?

D'abord la mauvaise nouvelle : la fin du monde est pour la semaine prochaine. Maintenant une bonne nouvelle : vous êtes le seul survivant (ou presque) et vous avez, en plus, le pouvoir de sauver 10 monuments de votre Panthéon personnel.

Voici les thèmes, à vous de désigner (et de commenter) les heureux élus !

1. Le disque que vous souhaitez sauver ?

Bob Marley "Babylon by bus" .

2. Le film que vous souhaitez sauver ?

Les 400 coups de François Truffaut.

3. Le livre que vous souhaitez sauver ?

L'Ecume des jours de Boris Vian.

4. La bande dessinée que vous souhaitez sauver ?

Rubrique à brac de Gotlib.

5. L'homme que vous souhaitez sauver ?

Moi.

6. La femme que vous souhaitez sauver ?

La femme de ma vie.

7. L'objet, le lieu ou le monument que vous souhaitez sauver ?

Ma guitare.

8. L'émission de télé que vous souhaitez sauver ?

La mire !

9. Le plat que vous souhaitez sauver ?

La soupe de nouilles.

10. Votre œuvre personnelle que vous souhaitez sauver ?

Le disque sur lequel je suis en train de travailler.

Merci Mathieu ! A bientôt et bonne continuation.

Propos recueillis par Sébastien Mounié

C’était un soir de septembre. Le 8. Carried To Dust, le  nouvel opus de Calexico est annoncé. Joey Burns et John Convertino ont prévu de rejoindre sur scène Kurt Wagner de Lambchop dans une cave de Paris, Le Social club, pour un concert improvisé.

Le concert est privé. Nous sommes peut-être deux cents à faire la queue dans la rue Montmartre. Certains ont Libé à la main, d’autres des courriels de leurs réseaux mélomaniaques. Chacun son pass. Tous veulent rentrés. Tous rentreront. Nous sommes serrés mais contents. Qu’importe la promiscuité, Edvige et ses fichiers intimes peuvent gueuler à l’extérieur dans les canards, ici, on est heureux d’être cul à cul, épaule contre épaule. Drôle d’époque.

Soudain, le noir. Et une voix qui clame a capella des accents américains d’une contrée lointaine. Kurt Wagner traverse la salle en gueulant en rythme.  Ca soul folk. Une impro buccale culotée. Kurt s’impose avec emphase dans notre intimité. Ca tord les mots pour les faire chanter. Casquette « Horse feeds » vissée sur la tête, lunettes « sécurité sociale », rouflaquettes grisonnantes, Kurt s’assoit et s’apprête.

Rapidement, le look de trappeur s’efface et laisse apparaître des mélodies et des ballades d’une étonnante sensibilité. Une simplicité qui n’en n’est pas une. La voix grave s’écoule sur les aigus de la guitare folk, l’effet est radical, on l’écouterait des heures chuchoter ses phrases. Une musicale mélancolie. Bien sûr, l’expression est souvent exagérée. Kurt joue du nez et de la bouche appuyant volontairement des syllabes chuchotées. Mais la reverb lui donne raison. Les cordes frappées au moment « t » donnent à sa prestation une sincère évidence. Le plaisir est là. Une soul music. Une voix chaude d’outre-tombe et les trente minutes passent à vitesse grand V.

Un réveil nous alerte un peu bruyamment du changement d’artiste et de la fin de la balade unplugged. Kurt qui n’a pas fini sa chanson sourit. Grand Prince. Joey Burns de Calexico attend en coulisse avec John Convertino, le batteur…

Kurt nous salue.

Les voilà. Bouteille de Kronenbourg à la main. Il fait chaud dans la cave.  Ils ont soif. Nous aussi. Joey Burns, chemise Nashville rouge. La mèche toujours rebelle et l’œil bleu pince sans rire… Un autre style. John Convertino, cheveux en arrière, gueule cassée de musicien dormant peu a le sourire en coin. Et pour cause.

Joey Burns a décidé de se la jouer légère pour cette soirée privée. Il se lance dans un échange avec le public cherchant à le taquiner. Le public est acquis et Joey bavarde. Le voilà qui se lance alors sur  l’énumération d’amis français rencontrés et qu’il adore. Dominique A entre autres puis Katerine. Prêt à tout les voilà alors en train de reprendre « J’adddoooore » de Philippe Katerine avec un clin d’œil pour la Carlita présidentielle… « Et je coupe le son ! »… John sourit mais suit Joey. Les californiens n’ont peur de rien. Pas de complexe. Un jack de micro essaiera bien de couper le son à son tour, rien n’y fera. Joey et John enchaîneront des morceaux plutôt rock loin des musiques hispanisantes auxquelles le combo nous avait habitué. A la guitare Joey s’amuse et attaque franchement. Ca tient plus que la route. Ils pourraient tenir des heures.

Pour finir, Kurt reviendra alors pour une reprise à trois de I Believe in you, extrait de « Oh (Ohio) », le nouvel opus de Lambchop prévu pour le 7 octobre. Joey chorusse à la guitare et donne des accents folks au morceau, tandis que Kurt sourit des effets détournés lancés par Joey. Joey essaiera bien de convaincre Kurt d’entamer une autre reprise mais en vain. Kurt sort. Joey n’a pas envie de quitter la scène. Il trinque à nouveau avec sa Kronenbourg et promet un retour en France avec Lambchop. On sent que Joey reste un peu sur sa faim. La seule solution : revenir.