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Une très belle mise en scène pour un texte d’une magnifique beauté.

La plus précieuse des marchandises est un texte magnifique de Jean-Claude Grumberg. Magnifique parce que l’auteur réussit dans une forme classique, courte et simple, le conte, à magnifier petite histoire et grande Histoire avec un grand H, à croiser les points de vue, celui du lecteur, celui d’une mère qui poussée par l’amour et le désespoir en vient à abandonner son enfant, celui d’une autre mère qui recueille cette enfant. Tout cela dans le contexte d’une guerre mondiale et sans jamais la nommer, de la déportation. Un conte humaniste marquant.

Le texte n’avait pas une vocation théâtrale, il n’est pas écrit pour cela. Le conte fondé sur une tradition orale et une lecture à haute voix le suggère sans qu’il le nécessite. Les passerelles sont cependant possibles : le théâtre joue sur la représentation du réel pour créer une fiction comme Grumberg écrit à partir de l’existence de faits historiques pour jouer de la fiction du conte et de ses codes. Un décalage fictionnel perturbant comme le sont les plus grandes tragédies.

Dans la mise en scène de Tordjman, ils sont deux, seuls en scène, à interpréter Un pauvre bucheron et Une pauvre bucheronne vivant isolés dans une forêt. Au loin, vidéoprojeté par des représentations graphiques en fond de scène, passe un train de marchandises dont la destination est inconnue et dont la pauvre bucheronne affamée espère tout : victuailles et vêtements. Sur cet écran apparaissent de manière fantomatique, des arbres floutés, le visage de la mère déportée, interprétée par Julie Pilod.  Tout contribue à l’illusion, au détournement du réel comme pour mieux s’en protéger et nous rappeler que nous sommes dans une fiction. Un paradoxe qui assaille le spectateur.

La forêt représentée au sol par un réseau quadrillé blanc, surélevé, impose aux personnages en équilibre une tension dramatique dans leurs déplacements. Comme si le moindre faux pas entrainait la chute du récit. Côté cour, passant du rôle d’acteur à celui de narrateur-coryphée et de musicien, Eugénie Anselin et Philippe Fretun jouent quelques fois de la musique. Pour sonoriser le temps et l’indicible. Quand ce n’est pas une machine à coudre électrique qui cadence avec froideur la narration.  Le spectateur suit ainsi sous tension le déroulement du conte.

Capté par le texte , par cet évènement tragique qu’est le recueil de cette enfant jetée par la lucarne d’un train de marchandises, par le comportement héroïque d'un père soumis au deuil, le spectateur ne peut que vibrer devant cette effroyable fiction aux prises avec un récit historique connu de tous. « Les chasseurs de sans-cœur », les « sans-cœur » « les têtes de mort », sont des mots qui usent des codes naïfs du conte pour mieux désigner l'indicible, s'en détacher, traduire une peur, réinterroger le sens, l’humanité ou l'inhumanité qui les compose.

L’interprétation, le rythme, la mise en scène, la musique sont à la hauteur d’un texte qui a la valeur littéraire d’une grande œuvre classique. En mettant en scène ce texte, Charles Tordjman fait entendre une célébration de la vie et de l’amour dans un contexte tragique. « L’amour qui fait que la vie continue » comme l'écrit Grumberg.

Les spectateurs connaissant le texte auront plaisir à le voir et l’entendre. Ceux qui le découvrent resteront sans doute marqués par l'intelligence du fond et de la forme. Le texte, prix spécial des librairies, grand prix de la société des gens de lettres, prix des lecteurs BFMTV/L’Express est édité en poche aux éditions Points. Un conte à voir, à lire, relire et offrir.

Jusqu'au 17 octobre au : https://www.theatredurondpoint.fr/

Dates de tournée :

27 — 30 OCTOBRE 2021 THÉÂTRE DE LIÈGE / LIÈGE (BELGIQUE)
17 — 20 NOVEMBRE 2021 THÉÂTRE NATIONAL DE NICE / NICE (06)
2 — 3 DÉCEMBRE 2021 THÉÂTRE DE LA COLONNE / MIRAMAS (13)
15 — 16 DÉCEMBRE 2021 LA CRIÉE, THÉÂTRE NATIONAL DE MARSEILLE / MARSEILLE (13)

Avec « Une histoire d’amour », Alexis Michalik nous entraîne dans les méandres émotionnels de la rupture et du deuil, avec une pointe d’humour noir. Ce sont plutôt deux histoires d’amour qui s’entremêlent : une histoire courte et intense entre Katia et Justine. Justine quitte Katia alors que cette dernière porte leur enfant. Douze ans passent… Quand Katia apprend qu’elle va mourir bientôt, les deux femmes se retrouvent et tentent de comprendre ce qui leur est arrivé. Katia confie sa fille à son frère, un écrivain à l’inspiration en chute libre, qui traverse un deuil profond. Au fil de quelques scènes bien ciselées, le frère et sa nièce s’apprivoisent, se livrent et se consolent.

Tandis que dans ce conte moderne, l’amour et la mort s’entremêlent, les scènes s’enchaînent sans répit. La mise en scène est habile et virevoltante, comme souvent chez Michalik*. Mais cette fois le registre est plus grave et plus intime. Je regrette seulement le rythme trop rapide des premières scènes ; j’aurais eu besoin d’un peu de calme pour poser la situation et camper les personnages.

Ceci étant dit, la direction d’acteurs est toujours juste et l’émotion est contagieuse entre la scène et la salle. Une fois admise la convention de douze ans passés en quelques secondes… le rythme est moins frénétique et les personnages deviennent plus profonds.

Au fil des scènes, le public est visiblement ému, troublé par ces deux histoires d’amour qui s’entrelacent au sein d’une seule famille. On en sort un peu mélancolique. On a traversé des drames, on a compati devant la pudeur de ceux qui cachent leur douleur, on a pleuré devant leur tentative de consolation. Les personnages semblent si vrais. On a envie de prolonger cette rencontre, on continue à parler d’eux, de leur expérience, de ce qui nous a surpris chez eux, de leur réaction devant l’imprévisible, et aussi des liens particuliers qui les attachent. A la fin, on a besoin, nous aussi, de fraternité. C’est grâce à la plume et à la direction d’acteur de cet auteur, qui interroge notre humanité au fil des spectacles et réussit peut-être à la cerner et à nous la rendre sensible. Merci Alexis Michalik!

*Ce spectacle a obtenu le Molière de la meilleure mise en scène du théâtre privé en 2020.

NB : 5 spectacles de cet auteur sont actuellement à l’affiche ; nouvelles chroniques à suivre…

Du 28 septembre  au 30 novembre  2021
LA SCALA - 13, boulevard de Strasbourg, 75010 Paris
Grande salle - Durée : 1h25
Email : billetterie@lascala-paris.com
Téléphone : +33(0)1 40 03 44 30

Un spectacle écrit et mis en scène par Alexis MICHALIK
En alternance Clément Aubert, Pauline Bression, Juliette Delacroix et Marica Soyer ou Stéphanie Caillol, Alexia Giordano, Paul Lapierre et Julia Le Faou.

Après Vessel, le chorégraphe Damien Jalet et le plasticien Kohei Nawa créent Planet [wanderer], mettant en mouvement le corps de huit danseurs dans un conte onirique pour illustrer l’amour viscéral qui relie les humains à leur planète.

Le plateau est couvert d’un sable charbonneux aux éclats scintillants qui façonne un paysage. Peu à peu, cette poussière d’étoile ou de météorite, prend vie et l’on distingue un être recouvert de cette même matière qui se met à ramper et à onduler à même le sol tel une créature aquatique.

A l’issue de son voyage, elle s’engloutit dans un amas d’autres corps qui se désolidarisent pour aller s’enfouir jusqu’aux genoux dans des cratères remplis d’une lave blanche et bouillonnante.

Les pieds prisonniers, chacun dans sa capsule, tels les roseaux résilients, ils s’arc-boutent et se cambrent à l’extrême dans un élan toujours répété au rythme de vagues sonores métalliques signées Tim Hecker.

Rejouant l’évolution de la vie, les corps humains s’émancipent de cette matière aquatique pour rejoindre la terre ferme. Les danseurs parcourent alors le plateau de manière frénétique comme dans une scène de nos vies modernes et citadines.

Pour la seconde fois, le chorégraphe franco-belge Damien Jalet et le plasticien japonais Kohei Nawa créent ensemble une œuvre tenant autant de la chorégraphie que de l’expérimentation plastique.

À travers la confrontation du corps humain avec différents matériaux expérimentaux, évoquant le souffle de l’air autant que le mouvement de l’eau, Planet [wanderer] est une évocation poétique et sensuelle de la nature migratoire de la vie, et du lien à la fois puissant et fragile qui nous unit à ce nomade sphérique qu’est notre planète. 

Des interprètes magnétiques, une scénographie et une chorégraphique hypnotique font de Planet [wanderer] un spectacle à ne pas manquer en ce début de saison.

du 15 au 30 septembre 2021
Théâtre National de Chaillot, palais de la danse

"Poète, mais aussi chanteuse et musicienne, Almée s'impose par ses mots et ses mélodies portés par des paysages électroniques. Son premier clip Préliminaires avec Nicolas Ullmann sorti en avril 2020 comptabilise 18K vues à ce jour et a enthousiasmé la critique qui l'a comparée d'emblée à des artistes comme Claire Laffut, Juliette Armanet et Fishbach. Almée prépare aujourd'hui son premier EP, réalisé par ALB, qui s'appellera Plonger. On découvre aujourd'hui Odessa, un nouvel extrait. C’est bien à Odessa qu’Almée a écrit et composé son titre du même nom. Ce voyage en solitaire est une plongée dans son histoire familiale tout autant qu’une découverte de soi. Un passage initiatique, sur des nappes synthétiques, en forme d’Odyssée, navigant entre la désuétude des paradis perdus et la nostalgie du présent. Parallèlement à sa musique, Almée anime son podcast États sonores avec lequel elle poursuit ses explorations de l’intime et fait de chaque épisode le volet d’une correspondance avec les titres de son EP. Elle y peint tout un nuancier de messages personnels grâce aux multiples voix qui s’entremêlent."

Outre la chanson, on aime l'insertion du petit film muet en contrepoint qui entraîne vers un autre temps, un autre ailleurs, une rêverie. Simple. Décalé. Efficace.

Lauréat au Festival de la Magie de la Colombe d’or, Belkheïr Djénane est un artiste reconnu dans l’art de la cartomagie, un art de l’illusion dans lequel il excelle grâce à des maniements de cartes dont il a le secret. Il vient ici dans ce spectacle, accompagné d'une table, de ses cartes à jouer et d’un écran de vidéoprojection en fond de scène. Entrant en scène avec sa démarche chaloupée appuyé sur un vieux bâton noueux, tel un vieux sage, Djénane s’installe et après avoir interpellé le public, le happe dans ses tours de carte.

La vidéoprojection de fond de scène est une fenêtre sur l’ailleurs – bord de mer, arbres - tandis que Djénane assis derrière sa table de magie dialogue avec ses cartes. Les mains jouent. Les cartes courent. L’illustration sonore sous forme d’onomatopées donne une voix aux cartes et notamment à la Dame de Cœur qui s’évade régulièrement en toute liberté. La Mort rôde également au travers d’un jeu de tarot qui donne un caractère mystique et ancestral au récit visuel. D’autres bruits évoquent l’envol de cartes disparues aux yeux du spectateur et seulement visibles de Djénane.

Ce nouveau langage visuel et sonore qui cherche à mettre en avant les cartes comme des personnages à part entière est intéressant, empreint de tendresse et d’énigmes visuelles qui intrigueront le spectateur. La lenteur, le silence, la présence de textes brefs, donnent un caractère sacré à cette représentation qui plongera le spectateur dans le doute devant une réalité qui lui joue des tours.  Un essai pour l’ailleurs. Une petite forme théâtrale poétique et intimiste.

DJENANE, alias Bébel le Magicien, est au Théâtre du Rond-Point jusqu’au 16 octobre 2021.

https://www.theatredurondpoint.fr/

Alexis Michalik est un phénomène : acteur, metteur en scène, réalisateur, auteur, il a 38 ans, 5 Molière au compteur et au moins 5 pièces à l’affiche des théâtres parisiens. Alexis Michalik écrit, met en scène et dirige des acteurs virevoltants dans sa pièce INTRA MUROS, qui rencontre un public renouvelé et conquis, en ce moment au Théâtre de la Pépinière à Paris.

INTRA MUROS nous parle du théâtre : le personnage principal est metteur en scène et anime pour la première fois un atelier théâtre en prison.

INTRA MUROS nous parle de filiation : une très jeune femme enquête sur ses origines et prend tous les risques pour rencontrer son vrai père.

INTRA MUROS nous parle d’imagination ou de magie : comment l’imagination réhabilitée, assumée, libérée, peut véritablement changer la vie.

Cet été j’ai lu le premier roman d’Alexis Michalik, sobrement intitulé « Loin ». Les péripéties d’un trio de jeunes gens à la recherche de leurs origines, sur les routes d’Europe, d’Afrique et d’Asie. Une histoire pleine de rencontres, de moments de doutes et de révélations. Une histoire menée tambour battant, qui nous fait traverser tout le XX^ème siècle, ses guerres, ses exils, où l’on est ballotté avec les laissés pour compte de l’Histoire, à tel point que le passé reprend vie…

Dans INTRA MUROS aussi, parfois le passé prend vie ; on passe alors du récit au dialogue. Un passé ou une scène nous est contée, et là soudainement elle prend vie, on glisse sans peine du récit au présent, de l’imagination au réel. Je partage complètement cette fascination (est-ce seulement la mienne ?) pour ce mince interstice entre le réel et l’imaginaire. Cette fine couche de glace qui fond et peut disparaître soudain. D’ailleurs on se demande ensuite : ai-je rêvé ? Ai-je bien compris cette situation ? N’est-ce-pas plutôt mon imagination qui me fait croire que… C’est presque un art de mentaliste : Michalik nous met sur des pistes, induit des croyances, mais est-ce bien réel ?

Comme dans Loin, dans INTRA MUROS, il est question des relations : drague, plaisir, amour et peine, séparation et  retrouvailles. De chemins de vies accidentés, de fautes et de réparations. D’emblée, le ton est donné et le metteur en scène demande : que vaut la vie si on met à distance les émotions ?

Ce qu’il faut dire aussi, pour rendre hommage et pour être juste, c’est que, devant une mise en scène d’Alexis Michalik, on participe à une célébration du théâtre lui-même : les changements de décor et de costumes se font à vue, les scènes s’ouvrent et se ferment dans un unique mouvement. On fait confiance au spectateur pour comprendre et accepter toutes les conventions du théâtre classique. Et en même temps, on brise ces conventions, ou plutôt on les fait valser, comme ces acteurs qui se déplacent et se croisent si lestement. Comme dans la tragédie antique, on passe de la peur à la pitié, on comprend et on compatit, on fête et on purge.

Les acteurs et le musicien restent en scène durant tout le spectacle. Acteurs de premier plan, figurants ou spectateurs de l’ « atelier théâtre », tour à tour ils jouent et se regardent jouer. C’est une troupe soudée, attentive, soutenante, un vrai cercle de partage d’émotions qui nous inclut, nous spectateurs. Visiblement, le public est touché, embarqué, tenu en haleine et ému. On s’attache à cette jeune femme qui enquête, à ce metteur en scène et à cette actrice qui aident les acteurs amateurs, deux prisonniers, à accoucher de leur histoire. On s’attache à ces deux prisonniers, à leurs tourments. On espère que cet atelier changera leur vie.

C’est paradoxal mais le contraste est saisissant : c’est en prison qu’Alexis Michalik a choisi de célébrer la liberté : le pouvoir de se réinventer avec créativité.

INTRA MUROS c’est une fête un peu éruptive et brouillonne où on célèbre la vie. Et en même temps c’est une machination bien pensée, huilée, intelligente, qui ne laisse rien au hasard.

Le tout donne une impression de brio, de maestria : tout simplement bluffant.

Septembre 2021
Du mardi au samedi à 21h et matinée samedi 16h - Durée 1h40
Théâtre la Pépinière, 7 Rue Louis le Grand, 75002 Paris
https://theatrelapepiniere.com/intra_muros.html
Tel : 01 42 61 44 16
Spectacle vu le 16 septembre 2021 avec les comédiens Arnaud Pfeiffer, Raphaèle Bouchard, Jean-Philippe Ricci, Fayçal Safi et Léopoldine Serre et le musicien Raphaël Bancou.

Avec en alternance Jeanne Arènes, Clémentine Aussourd, Christopher Bayemi, Chloé Berthier, Raphaèle Bouchard, Hocine Choutri, Johann Dionnet, Jean Fornerod, Sophie de Fürst, Jean-Louis Garçon, Paul Jeanson, Aurélie Konaté, Ariane Mourier, Arnaud Pfeiffer, Jean-Philippe Ricci, Fayçal Safi, Marie Sambourg, Léopoldine Serre et les musiciens Raphaël Bancou, Sylvain Briat, Raphäel Charpentier et Mathias Louis

Du juste équilibre et de l’art de cultiver le patrimoine circassien

La 48^e création de la Compagnie Gruss reprend après des interruptions liées à la dernière crise sanitaire. L’occasion de retrouver l’ensemble de la Compagnie Gruss dans un spectacle qui cultive la tradition équestre dans un cadre familial émouvant.

En reprenant Les Folies, clin d’œil aux divertissements les plus distingués du Paris de la Belle Epoque au XIXe siècle, la compagnie installe le spectateur dans une ambiance bleue feutrée et argent très réussie, très classe et ce, dès l’antichambre du cirque par laquelle entre le spectateur. Ce lieu est l’occasion d’accueillir ce dernier en musique avec un numéro de cerceau aérien, et de lui faire rencontrer les artistes à la sortie afin de prendre quelques photos et d’échanger quelques mots.

Le cirque n’est plus uniquement construit comme un espace de découverte de numéros qui se succèdent les uns après les autres mais comme un lieu vivant et festif. Le spectacle n’est qu’un moment de la soirée ou de l’après-midi. Le spectateur est invité à profiter du lieu, de son ambiance autant que du spectacle. Caresser les chevaux à l’entrée, déjeuner sur place, prendre un café en musique, finir sa soirée en dansant, sont autant activités complémentaires qui donnent un tout autre caractère au lieu et donnent tout simplement l’envie d’y rester. "Ici les artistes sont vos hôtes" n'est pas qu'un slogan.

Fondé sur des spécialités équestres et aériennes, le spectacle joue à la fois sur le savoir-faire d’une tradition qui compte maintenant six générations d’artistes et sur un modèle familial réuni autour du célèbre Alexis Gruss qui introduit le spectacle avec sa petite fille dans un dialogue émouvant digne du Petit Prince. Celui-ci lui rappelle ainsi sa « définition de l’Art : du travail jusqu’à ce qu’on ne voit plus le travail. »

L’ensemble des 15 tableaux, rythmé par des chants de Candice Parise et un orchestre musical efficace, fait son effet. Les enfants riront aux clowneries d’un Tony Florees énigmatique, retiendront leur souffle avec leurs parents devant la fil-de-fériste Maud Gruss et la haute-voltige équestre époustouflante du tableau final.  Ils pousseront des cris d’étonnement devant l’Envol poétique des trois sylphides durant lequel trois danseuses aériennes contemporaines rejoignent par les airs leurs trois cavaliers. Ils observeront avec attention ce spectacle plein d'humanité réunissant plusieurs générations. L’émotion est là.

La proximité avec les artistes, leurs prises de risques permanentes, l’énergie non-stop déployée, leur sincérité, la perception physique du souffle et de la puissance des chevaux, l’accompagnement musical, font de ces Folies Gruss un moment de vibrations unique plein d'humanité.

Le spectacle est à découvrir jusqu’au 6 mars 2022 à Paris.

https://www.folies-gruss.com/les-folies-gruss-a-paris/

Ce premier single entre français et anglais est issu du futur album du duo Toukan Toukan prévu pour 2022. Danser nu sur la plage ? Comment dire ? Ah oui au Cap d'Agde ! On aime beaucoup le contre-jour du clip à découvrir. Drôle et léger. Lâche-toi Baby Vas-y !

Chanteuse, harpiste, compositrice, productrice et autrice, Laura Perrudin a sorti l'album Perspectives & Avatars l'année dernière sur lequel on retrouve en invités Philippe Katherine, Emel Mathlouthi, Becca Stevens, Mélissa Laveaux…Ce disque est un ovni pop aux frontières d’une soul teintée d’electronica et d’une folk expérimentale reposant sur l’utilisation originale d’un instrument créé spécialement pour elle : la harpe chromatique électrique.Prêtant sa voix singulière aux recherches et bidouillages électroniques qu’elle affectionne tant, Laura Perrudin compose un univers unique en son genre.A l'occasion du lancement de la tournée Perspective & Avatars, Laura Perrudin nous dévoile aujourd'hui le clip de Light Players. La tournée Perspectives et Avatars passera à Paris le 27/10 au Hasard Ludique et dans les principales villes de France.
Light Players illustre avec son clip en images de synthèse la balade d'un nuage. Pour rendre hommage à ces étranges créatures éphémères dont certaines sont menacées par le changement climatique, Laura Perrudin s'empare de ses crayons et réalise ici son premier clip en animation avec l'aide du motion designer Florent Bonneviale. 

La Tournée Perspectives et Avatars : 9.10.21 Agen, 13.10.21 Nancy, 14.10.21 Nancy, 22-23-24.10 Rennes, 27.10.21 Paris (Hasard Ludique), 28.10.21 Rotterdam, 27.11.21 Vezelay, 13.12.21 Besançon (Scène nationale),17.12.21 Maubeuge, 19.01.21 Metz (l’Arsenal), 25.03.22 : Evreux (Tangram)

Quels « Bonheurs ! »

Avec Madame FRAIZE, Marc FRAIZE vient confirmer ses talents de grand humoriste dans un genre qui avait disparu des planches : l’absurde. Et pour cause, pour exceller dans ce domaine, le comédien doit savoir s’emparer du temps, incarner un personnage décalé avec une sincérité exemplaire et jouer avec le public tel un équilibriste en créant des dissonances imaginaires. Il y a d’un côté, le stand-up fondé sur la vitesse, la tchatche, les punch-lines et à l’opposé la planète Marc FRAIZE fondée sur la lenteur, l’impatience du spectateur, et un travail remarquable sur les mouvements du corps et les expressions du visage.

Madame FRAIZE incarnée par Marc du même nom est seule en scène. Une table haute, un tabouret haut, un verre et une carafe d’eau, une coiffure vintage des années 60, une longue robe couleur vert émeraude. Il n’en faut pas plus à Marc FRAIZE pour faire basculer très rapidement le public dans son monde insolite et hilarant. Madame FRAIZE pourrait être une marraine, une grand-mère dépassée par son temps et qui tente naïvement d’associer du sens au non-sens, quitte à créer des néologismes et des expressions uniques qui génèrent rires du public : "zone épaulaire, matière assiette, matière train à vapeur"... Chanteuse à ses heures perdues - tordant Piensa en mi et chanson finale- elle expose au public ses pensées de ménagère et d'épouse sur la banalité du monde avec un regard décentré, tendre, fragile et naïf.

Le lave-vaisselle, l’eau, la fontaine zen Natures et Découvertes, les zones artisanales, les soupes, les verrines sont autant de thèmes qui permettent au comédien de jouer avec l’attention du spectateur, de générer des fractures de sens poétiques. Madame FRAIZE prend le temps de poser les mots comme elle prend le temps de déguster un verre d’eau en s’exclamant « Bonheurs ! » au risque de générer des absences, des doutes, des oublis. En privilégiant les silences, en ciselant les phrases et les gestes, FRAIZE crée un langage théâtral de la retenue d’une grande créativité. L’improbable peut surgir à chaque instant, l’explosif comme le ralenti. Une mécanique du rire de haute voltige qui fait mouche.

Un artiste à découvrir absolument.

Du 16 au 17 octobre 2021 au Théâtre du Rond-Point puis en tournée :

20 NOVEMBRE 2021 CENTRE CULTUREL DIDIER BIENAIMÉ / LA-CHAPELLE-SAINT-LUC (10)
4 DÉCEMBRE 2021 THÉÂTRE MUNICIPAL / NEVERS (58)
11 DÉCEMBRE 2021 LA 2DEUCHE / LEMPDES (63)
16 DÉCEMBRE 2021 SALLE JULIETTE GRÉCO / CARROS (06)
11 JANVIER 2022 SALLE JACQUES BREL / MONTIGNY-LE-BRETONNEUX
28 JANVIER 2022 L'ENTREPÔT / LE HAILLAN (33)
3 FÉVRIER 2022 LE RADIANT / CALUIRE (69)
12 FÉVRIER 2022 ESPACE ALEXANDRE GAUTIER / LOIREAUXENCE (44)
18 FÉVRIER 2022 SALLE NELSON MANDELA / CAPESTANG (34)
1ER — 4 MARS 2022 THÉÂTRE DE L'ODÉON / MARSEILLE (13)
19 MARS 2022 SALLE CASSIN / HOUILLES (78)
5 AVRIL 2022 PRINTEMPS DU RIRE / TOULOUSE (31)
29 AVRIL 2022 L'ATRIUM / TASSIN-LA-DEMI-LUNE (69)
5 MAI 2022 LE DÉCLIC / CLAIX (38)